miércoles, 10 de junio de 2015

DONATO BRAMANTE

1. DONATO BRAMANTE

(Monte Asdruvaldo, actual Italia, 1444-Roma, 1514) Arquitecto y pintor italiano. Fue el mayor arquitecto del Renacimiento italiano, a caballo entre los siglos XV y XVI, heredero de Brunelleschi y Alberti e inspirador de muchas de las grandes figuras de la arquitectura posterior, de Sansovino a Antonio de Sangallo el Joven.

Aprendió de Brunelleschi y Alberti el arte de la creación de espacios armoniosos y proporcionados, y añadió al estilo de aquéllos un interés nuevo por la perspectiva que le llevó a crear singulares efectos de profundidad y espacio en sus obras. Un ejemplo emblemático de ello es el templete de San Pietro in Montorio, en Roma, una pequeña construcción circular en el centro de un patio rectangular, proyectada para ser el centro de un recinto porticado que debía acentuar sus efectos escenográficos.
Se formó probablemente en Urbino, y en 1477 está documentada su presencia en Bérgamo, trabajando en la decoración al fresco del palacio del Podestà. En 1480 se estableció en Milán, donde desplegó una gran actividad como pintor y arquitecto que puede sintetizarse en el impactante Cristo a la columna y, sobre todo en la construcción de Santa Maria presso San Satiro, donde dotó al coro, de pocos centímetros, de una gran sensación de profundidad.
En 1499, tras la caída de Ludovico el Moro, se trasladó a Roma, donde trabajó principalmente al servicio del papa Julio II. En 1503 proyectó el patio del Belvedere y en 1506 se hizo cargo del proyecto de la nueva basílica de San Pedro. Ninguna de las dos obras se llevó a cabo tal como Bramante había previsto, pero la genialidad de las soluciones por él propuestas imprimió una nueva orientación, más monumental y escenográfica, a la arquitectura del Renacimiento. Intervino también en la sistematización de algunos barrios de Roma, ofreciendo con su palacio Caprini un nuevo prototipo de residencia urbana.

EL VERONÉS

EL VERONÉS

(Verona, Italia, 1528-Venecia, 1588) Pintor italiano. Hijo de un modesto picapedrero, a los trece años de edad su padre lo llevó al taller de Antonio Badile, donde se formó en el arte del dibujo. Su primera obra conocida, un retablo para la familia Bevilacqua, la realizó entre 1546 y 1548. Por alguna razón que se desconoce, hacia 1551 decidió trasladarse a Ve necia, donde sus colegas le impusieron el apodo de Veronés (por su ciudad de origen) con el que se le conoce habitualmente. Venecia era por entonces una de las ciudades más brillantes de Europa, y el Veronés supo reflejarlo cabalmente en sus obras, en particular en las llamadas «Cenas», en las que la temática religiosa no es más que un pretexto para retratar a la sociedad veneciana: sus tipos, la opulencia de sus fiestas y banquetes. Son estas obras (la Cena de Simón, la Cena de los Serviti, la Última Cena), realizadas a partir de 1561, las que mejor reflejan su arte brillante, pomposo, alegre y lleno de soltura, el arte que lo convirtió en el gran decorador de su tiempo. Su primer encargo oficial en la República de Venecia fueron las pinturas del techo de la Sala del Consejo de los Diez y de la contigua Sala de las Tres Cabezas, en el Palacio Ducal. A continuación se ocupó de la decoración al fresco de la iglesia de San Sebastiano, que consolidó definitivamente su fama. Por entonces conoció a Palladio, que acababa de finalizar la villa de los hermanos Barbaro en Maser, cuya decoración pictórica se le encargó. Al terminar las pinturas de Maser, regresó a Venecia, donde dio vida a su etapa creativa más fecunda, que comenzó con el gran lienzo de las Bodas de Caná y siguió con las mencionadas «Cenas». A consecuencia de una de ellas tuvo que enfrentarse a la Inquisición, que lo acusó de no haber respetado la temática sagrada de la Última Cena. Acusado de herejía, se le obligó a modificar o destruir la obra; el problema se zanjó finalmente cambiando el nombre del cuadro por el de Cena en casa de Leví (1573). Circunstancias fortuitas, como los incendios del Palacio Ducal en los años 1574 y 1577, le permitieron volver a trabajar para el Estado veneciano, en la decoración de la sala del Colegio y después en la de la sala del Gran Consejo, donde pintó el Suntuoso Triunfo de Venecia.

DONATO BRAMANTE

1. DONATO BRAMANTE

LEONARDO DA VINCI

1. LEONARDO DA VINCI (1452-1519)

Leonardo da Vinci nació el 15 de abril de 1452. Hay dudas sore el lugar donde nació, para algunos historiadores su cuna fue un caserío de Anchiano, un municipio de Vinci, y para otros fue el pueblo de Vinci, situado en la ribera derecha del Arno, cerca de los montes Albanos, entre Florencia y Pisa.
Fue hijo ilegítimo de Ser Piero, como lo expresó Antonio de Vinci, el abuelo paterno: "Nació un nieto mío, hijo de Ser Piero, mi hijo, el 15 de abril, sábado, a las 3 de la noche -equivalentes a nuestras 22:30-. Fue llamado Lionardo. Lo bautizó el sacerdote Piero di Bartolomeo de Vinci".
Su madre, Caterina, contraería matrimonio con un hornero, Accattabriga di Piero del Vaccha, .
En ese año en el que nació Leonardo, su padre, Ser Piero, se casó con Albiera di Giovanni Amadori. Ser Piero contrajo matrimonio cuatro veces y tuvo doce hijos. El primero legítimo (Antonio), nació en 1475, en sus terceras nupcias con Margherita di Francesco.

RAFAEL SANDIO

3. RAFAEL SANDIO (1483-1520)

Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 - Roma, 6 de abril de 1520 ), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael, fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.

Hijo de un pintor y criado entre artistas, a los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.
Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años. Fue un artista muy productivo, dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores, y a pesar de su muerte prematura, gran parte de su obra aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, donde decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, quedando sin terminar a causa de su muerte.
Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron consideradas de nuevo como un modelo superior.
Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.

El Renacimiento

El Renacimiento
El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la historia universal que marcó el paso de mundo Medieval al mundo Moderno. Es un fenómeno muy complejo que impregnó todos los ámbitos yendo por tanto, más allá de lo puramente artístico como ha querido verse.
Para muchos autores empieza en 1453 con la conquista turca de Constantinopla. Según otros es un nuevo periodo que surge desde el descubrimiento de la imprenta, e incluso se considera que no se produce hasta que Copérnico descubre el sistema heliocéntrico; pero la fecha tope es 1492, con el descubrimiento de América.

El término Renacimiento deriva de la expresión italiana rinascita, vocablo usado por primera vez por el literato Petrarca y revalorada por el arquitecto y teórico Giorgio Vasari, que la delimita en el mismo momento histórico en que tuvo lugar este movimiento cultural. Vasari lo acuÒa en su obra Vidas de los más ilustres artistas para referirse a un movimiento que hace resucitar en el arte y la cultura los valores espirituales de la antiguedad clásica. El término no empieza a utilizarse hasta el siglo XVI, pero no será consagrado en sentido histórico, social y cultural hasta mediados del siglo XIX.
Será a partir de este momento cuando ya cobrará fuerza el redescubrimiento del hombre como individuo, el redescubrimiento del mundo como armonía y realidad que rodea al hombre liberado de todas las preocupaciones religiosas.
El Renacimiento es ante todo, un espíritu que trnasforma no sólo las artes, sino también las ciencias, las letras y formas de pensamiento. En su conjunto se ha visto una clara reacción al espíritu teológico de la Edad Media, sin embargo la ruptura no se produce de manera violenta porque no pocas de las concepciones que se van a desarrollar tuvieron su origen durante el medievo, y esto es claramente apreciable

Orígenes del Renacimiento

El Renacimiento tuvo su origen en Italia en los siglos XIV y XV, llegando a su apogeo al iniciarse el siglo XVI. De Italia se extiende lentamente por Europa excepto Rusia.

En el transcurso de los cincuenta años que van desde 1520 a 1570, discurre la madura plenitud del Renacimiento y también se percibe su ocaso. Toda la Europa de Occidente toma parte ahora en el movimiento de las artes y de las letras.
La recepción de los gustos italianos se generaliza, los grandes maestros surgen ya no sólo en Italia, sino en todo el ámbito de las monarquías occidentales. Pero el desarrollo normal de la cultura renacentista se ve afectada por el hecho simultáneo de las luchas religiosas derivadas de la revolución protestante.
en el terreno artístico.

Características

El ideal común de este período viene definido por la esperanza de un renacer del ser humano a una vida verdaderamente "humana", mediante el recurso a las artes, las ciencias, la investigación... poniendo de manifiesto la consideración del ser humano como ser natural, en oposición a la consideración medieval del ser humano como ser-para-Dios.

El retorno a los antiguos significa no sólo la recuperación de su obra, sino fundamentalmente el retorno al principio, a los orígenes de la vida humana, cultural, del ser humano. Volver al principio no significa volver a Dios, sino precisamente al terreno del hombre y del mundo humano. De ahí la valoración del pensamiento filosófico pre-cristiano. El retorno significa, además, una conquista. La vuelta a los orígenes, al principio, conlleva la conquista de la personalidad humana. El que este retorno se efectúa mediante las artes y las ciencias, y no mediante experiencias místicas interiores, por ejemplo, significa una búsqueda de la objetividad. En efecto, sólo la objetividad puede poner en evidencia el status original del hombre frente a la naturaleza, es decir, manifestar su origen y su condición humana.

Por lo mismo, el hombre es libre de decidir su conducta, de elegir su destino, lo que supone una exaltación de la libertad individual tanto en el orden teológico como el orden cultural y social.

Principales corrientes filosóficas

1. Una de las características más notables del Renacimiento es el antropocentrismo, lo que supone una valoración no sólo de la personalidad del ser humano, sino también de su individualidad.

2. También el naturalismo irá asociado al desarrollo del Renacimiento. Se destacan los aspectos naturales del hombre versus los aspectos sobrenaturales. Es algo de lo que encuentran los renacentistas que "vuelven" a Aristóteles: la separación del universo y de Dios y la exaltación de la naturaleza; al igual que los que se "vuelven" hacia Platón, buscando una religiosidad natural y la exaltación del hombre y de su libertad (el hombre no es malo, es ignorante, no necesita, pues, la gracia divina para su redención).

3. Bacon, Copérnico, Galileo, Kepler, son figuras centrales en el desarrollo de la ciencia, que supondrá la destrucción de la imagen ptolomeica del mundo, inspirada en el universo cerrado y geocéntrico de las dos esferas; la creciente y progresiva matematización de la naturaleza y el desarrollo del método experimental serán dos de las bazas más significativas de su triunfo.

4. El Renacimiento supone pues el renacer del espíritu de libertad de un ser humano que se quiere inserto en la naturaleza y en la historia.

La Política

La Política, en su significación clásica vinculada a la ética, como servicio público a la Ciudad, nada tiene que ver con las denominaciones impuestas por la Modernidad como Izquierda y Derecha, o Progresismo y Conservadurismo. Cualquier término que implique ese dualismo maniqueo de corte ideológico implica la reducción de la ciudadanía a mera agrupación de súbditos sometidos a un falaz espectro político que opera bajo sibilinas simplificaciones, manidos tópicos y burdas manipulaciones.

Es evidente que a la élite cleptocrática y plutocrática que ejerce el poder por vía de hecho no le interese acrecentar el sentido político sobre una educación integral en valores humanos y culturales tradicionales. De lo contrario no aplicaría una agresiva ingeniería social focalizada en atomizar al cuerpo social, promoviendo un individualismo que mina la capacidad racional y crítica del sujeto personal. Por eso mismo, con objeto de asegurar el control social dentro de un marco estabilizado, las estructuras de poder propugnan la disensión social por medio del juego político de espurias ideologías. Donde ha triunfado la Modernidad, es decir, la Revolución, este modelo político occidental se ha consolidado. Principalmente por medio de la emergencia de dos bloques de pensamiento ideológico unidireccionales, monolíticos pero complementarios, y que consiguieron materializarse en el bipartidismo, ya en sus orígenes con los jacobinos y los girondinos (Francia), pasando por los whigs y tories (Gran Bretaña), hasta los demócratas y republicanos (EEUU). Y a grandes rasgos, en todo nuestro entorno político, con los denominados progresistas y conservadores.

Saludo

bienvenidos a este espacio en la que compartiremos conocimientos y opiniones sobre el RENACIMIENTIO

saludo

GIORGIONE

GIORGIONE(H. 1477/78-1510)
Castelfranco Veneto, actual Italia, h. 1477-Venecia, 1510) Pintor italiano. Es una de las figuras más oscuras de la historia del arte, ya que nada se sabe de su vida y muy poco de su obra, sobre la que existen numerosos problemas de atribución, entre otras razones porque dejó varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Pese a ello, puede afirmarse sin lugar a dudas que el artista fue un innovador, una figura fundamental en la evolución de la pintura veneciana.
Llegó a Venecia hacia el año 1500 y se formó en el taller de Giovanni Bellini, antes de establecerse por su cuenta en asociación con Vincenzo Catena. Participó en dos importantes encargos públicos: un lienzo para la sala de audiencias del palacio ducal (perdido) y los frescos exteriores del Fondaco dei Tedeschi, en colaboración con Tiziano. Además, pintó por encargo para coleccionistas privados, y en esto se diferencia de los otros artistas de su tiempo, que trabajaron sobre todo para grandes instituciones públicas o de la Iglesia.
Se le considera el inventor del paisaje emocional, es decir, de la naturaleza representada en función del estado de ánimo del artista. Constituye una buena muestra de ello su obra más admirada, La tempestad, donde el tema parece un mero pretexto para la realización de un ejercicio de imaginación creadora; este cuadro, de colores fríos y saturados, ejerció una gran influencia en la pintura posterior.
Un papel de primer orden desempeña también el paisaje en otra de las grandes creaciones de Giorgione, Los tres filósofos, una pintura de significado incierto en la que resulta muy innovador el que la pincelada se orinte casi exclusivamente a la creación de efectos cromáticos. Obras de atribución segura son también el retrato de Laura y Venus dormida. Giorgione murió de forma prematura, probablemente a causa de la peste, cuando contaba poco más de treinta años de edad.

MIGUEL ÁNGEL

2. MIGUEL ÁNGEL (1475-1564)

Miguel Ángel fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Nació 6 de marzo de 1475 en el pueblo de Caprese, de esencia florentino mantuvo sus lazos con Florencia su arte y su cultura. La mayor parte de su madurez la pasó en Roma, trabajando en los encargos de los continuados papas. Su deseo fue ser enterrado en Florencia en la iglesia de Santa Crose y así fue después de su fallecimiento.

Caprese es un pequeño centro del valle Tiberino, actual provincia de Arezzo, su padre Ludovico de Leonardo de Buonarroto Simoni era podestá en nombre del gobierno de Florencia, Miguel Ángel habiendo finalizado el mandato paterno regresa a Florencia, donde transcurre su infancia, juventud y algunos años de su madurez. Siendo niño demuestra su fastidio por las lecciones de gramática del humanista Urbino, a quien el padre confió su formación. Pero a Miguel Ángel le cautiva el dibujo y el estudio del arte, se deleitaba en recorrer las iglesias y copiar las pinturas abandonando a veces las lecciones de gramática.
A los 13 años de edad ingresa en el taller de Doménico Ghirlandaio para aprender a pintar y dedicarse a ese oficio, su instrucción duraría tres meses, este es el taller de uno de los principales maestros de Florencia de finales del quatrocento.

martes, 9 de junio de 2015

GIOVANNI BELLINI

GIOVANNI BELLINI (H. 1430-1516)
Pintor Italiano (veneciano) Giovanni Bellini nació en la ciudad italiana de Venecia. Giovanni Bellini inició su carrera como ayudante en el taller de su padre. Giovanni Bellini en su primera época sufrió una gran influencia por su cuñado, el pintor de Padua Andrea Mantegna, de quien tomó el aspecto escultórico de las figuras, la potencial elocuencia de los contornos muy marcados y, en ocasiones, el tipo de composición, como en la obra de su primera época La oración del huerto (década de 1460, National Gallery, Londres). En las obras de Giovanni Bellini se puede captar una percepción, propia y sutil, del color y la luz, de una excepcional sensibilidad para los paisajes y de una compenetración con el tema humano mucho más directa y delicada que la de Mantegna.

Giovanni Bellini comenzó a tomar contacto con el óleo a través de la pintura flamenca y de la obra de Antonello da Messina. Su colorido adquirió mayor profundidad y se dedicó a investigar las interacciones de color, luz, aire y materia más a fondo. El resultado fue que la distinción entre masa y espacio se tornó menos clara; el aire comenzó a adquirir cuerpo entre ellos; las líneas de los contornos empezaron a desaparecer gradualmente para ser reemplazadas por transiciones de luz y sombra. San Francisco (c. 1480, Colección Frick, Nueva York) representa un primer estadio de ese proceso, que ya denota una evolución más avanzada en dos obras fechadas en la década de 1480: Madona de los arbolitos (1487, Academia, Venecia) y La Virgen, el Niño y santos (1488, Iglesia de Santa María dei Frari, Venecia) y culmina hacia 1500 en el espléndido periodo final de Giovanni Bellini.
La última obra de la serie de Giovanni Bellini, La Virgen rodeada de santos (1505, Iglesia de San Zaccaria, Venecia), es típica de su época final: complejas modulaciones cromáticas imprimen un suave tono general en el que las figuras, los elementos que las rodean, la luz y el aire parecen inseparables, como si no fueran más que diferentes aspectos de una misma identidad. Las formas son amplias pero menos densas que antes y la pintura está aplicada con trazo delicado para lograr contornos y superficies de una difuminada imprecisión. El festín de los dioses (1514, National Gallery, Washington, D.C.), cuyo paisaje fue concebido por Tiziano, nos muestra a un Giovanni Bellini que sigue evolucionando y creando después de los 80 años y que se interesa por los temas clásicos y paganos poco antes de su muerte en Venecia en 1516.